巴洛克風格的音樂有哪些？

有如蒙特威爾第、維瓦爾第、呂利、普賽爾、亨德爾、巴赫等等人為代表的音樂都基本上稱之為巴洛克風格.

音樂的巴洛克時期通常認為大致是從1600年至1750年，即從蒙特威爾地開始，到巴赫和亨德爾為止。

1750年，對位法大師約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的與世長辭，標志著巴洛克巔峰的對位法音樂的終結，也標志著巴洛克時代的終結。之所以稱這一時期為巴洛克，是由于一時期音樂表達的技術及方式基本上有它一定程度的共同點，所以用此名詞來標志，并無特殊的意義。巴洛克（Baroque）一詞來自法語，追本溯源是葡萄牙語barroco，意謂形態不圓的珍珠。是巴洛克末期評論家們在評論此一時期的音樂時所首先使用的，而且一般含有貶意，指粗陋曲、奇異的、夸張的音樂。巴洛克之后古典主義時期的音樂家們趨于將音樂語言簡化和規范化，在他們看來，巴洛克音樂過于夸飾而不夠規范。

因此巴洛克一詞被評論家用來指十七世紀及十八世紀前期的藝術及音樂作品。現在，隨著時間的推移，我們可以用更為深入和細致的歷史眼光來看待這一時期的音樂，巴洛克不復有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音樂作品，它確實存在著夸飾和有些不太規律化的特征。文藝復興時期的藝術講究清晰、統一和協調。但至十六世紀末期，藝術中感情的因素日益增加，明凈清澈和完美的形式被表達感情的需要所壓倒。

在美術中可以從卡拉瓦喬（1573-1610）的色彩濃烈的、戲劇性的繪畫中看到。在音樂上我們也早已從馬倫齊奧、杰蘇阿爾多的牧歌以及道倫德的古歌曲中看出端倪，而他們的下一代則更往前發展了。要制造出這些強烈的效果，必須發展一種新的音樂風格。一般地說，文藝復興時期平穩的復調音樂已不適合新時期所需要的特色。巴洛克時期最重要的創造就是“對比”的概念。文藝復興時期的音樂進行流暢，各個聲部（通常為四至五個聲部）相互交織，同步進行。1600年以后這種織體日漸少用，只有在教會音樂中才能見到，這是因為教會音樂受傳統及固定的禮拜禮式所束縛，因此是最為保守的。

“對比”可以表現為各個不同的方面：音的高與低；速度的快與慢（快與慢的段落對比或快慢聲部間的對比）；力度的強與弱；音色的不同；獨奏（唱）與全奏（合唱）等等。所有這些都在巴洛克時期的音樂結構中存在，各有它們的地位。許多巴洛克時期的音樂家使用協奏曲或復協奏曲形式（此詞本身意味著明顯的對比因素），這種形式的基本特點是織體的變換，有時用一個聲部（獨奏）或幾個聲部，有時用較大的群體合奏。最明顯而強烈的對比是當時出現的一個新的體裁叫做“單聲部歌曲”（monody），它是一種獨唱歌曲，大致是在上面有一個流暢的人聲聲部，配以琉特琴或羽管鍵琴的伴奏，伴奏的進行較為緩慢，這一體裁的代表人物（在某種程度上可以說是創造者）是作曲家兼歌手卡奇尼（Caccini，約1545-1618）在他劃時代的作品《新音樂》（Le nuove musiche）歌集中，人聲的旋律依循歌詞的意義，變化極大，在節奏和織體上可以從很簡樸到非常富有裝飾性；而且又與幾乎固定不變音型的伴奏聲部形成對照。

卡奇尼屬于佛羅倫薩的“卡梅拉塔會社”（一個由音樂家、詩人、貴族組成的團體）成員，他在十六世紀七十至八十年代接觸到將古希臘音樂中表現感情的觀點加以再創造的概念，這個團體遵循這個概念采用了“單聲部歌曲”的形式。上述“伴奏”這個詞，在文藝復興時期音樂中幾乎不用考慮，作為一個觀念，它屬于巴洛克時期，它意味著樂器聲部之間的地位不同。

事實上巴洛克音樂最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管風琴（或撥弦樂器琉特琴或吉它）上奏出低音聲部，上面標出數字指示他應演奏的填充和弦。通奏低音經常由兩個人演奏，一人用大提琴（或維奧爾琴或大管）一類可延長音響的樂器演奏低音聲部，另一人演奏填充和弦。

這種使用通奏低音的織體是：上面一個人聲或樂器的旋律聲部，底部是一個低音樂器，中間填以和聲，這是典型的巴洛克音樂的風貌。上面的聲部也常有用兩個的，有時是為兩個歌手寫的，有時是兩把小提琴（此時即稱三重奏鳴曲），此種結構在巴洛克音樂中也很典型，特別是通奏低音不能或缺，說明由低音產生和聲的概念對于巴洛克音樂是如何重要，是它的中心。這個概念的出現并不突然，在十六世紀中已有將低音聲部區別于復調音樂中上面其他幾個聲部線條的，但只是到了巴洛克時期這種風格才清楚地確定下來。

與上述的變化一起，而且是有關的，是放棄復調（更精確地說，復調音樂成為一種老式的方法，幾乎只用于教會的某一類音樂中）。重視和聲必然導致在一首樂曲中出現和聲進行的若干終止點，這些終止點稱終止或收束，是由于某一種標準的一系列和聲進行而形成的。與此相關的是節奏的進行，在聲樂中，旋律要表達歌詞的情感，必須按照（甚至夸張）語言的自然節奏；在器樂中（包括一些聲樂，特別是合唱曲）有用舞蹈節奏的。由于低音用了舞蹈音樂的節奏型，加速了調性感覺的發展以及向某一個特定的音進行的趨向性。

與此同時，新樂器種類的出現加速了這個進程，其中最重要的樂器為小提琴族系。當時維奧爾琴的發音適合復調音樂的清晰但卻缺乏節奏的動力感，而小提琴潔凈明快的運弓以及其演奏輝煌技巧樂曲的能力適合演奏舞蹈節奏的音樂，與單聲部歌曲相比更有發揮技巧的能力。聲樂風格與器樂風格的交替進行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音樂中有這樣兩種不同風格的交替進行是為了新奇和效果。

巴洛克早期重要的音樂形式是單聲部歌曲（相對于前一個時期復調音樂而言）以及與此相聯系的體載歌劇與清唱劇，強調語音與音樂的緊密結合，在歌劇中還有布景的效果。單旋律音樂中不使用對位，其形式是由旋律與低音相結合發展起來的，如分段歌形式，回旋曲結構，在反復出現的低音聲部上的變奏。在樂器方面也有相應的發展，如適合于演奏通奏低音組合的樂器，以及替代維奧爾琴族系的小提琴等，小提琴族系樂器更靈活而且能演奏較高的類似人聲的音域。

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有哪些音樂是巴洛克風格（Baroque）的？

巴洛克風格音樂：

（一） 概述：

巴洛克音樂指17世紀初葉（公元1600）至18世紀中葉（公元1750）的歐洲音樂文化。巴洛克（baroque）一詞來源于葡萄牙文baroco,原意指珍珠的怪異及其不規整的形狀。

在西方藝術史中，通常用巴洛克來表示17至18世紀中葉西方建筑，繪畫，雕塑等藝術的新的風格特征-----雄偉，奇異，夸張等。在繪畫藝術方面，文藝復興時期用透視法以及平衡和諧的觀點來描繪自然和人體，人們從有限的空間進入到人類內心情感的無限世界。

作為西方音樂史中一個時期的巴洛克音樂，其發展主要集中于歐洲的意大利，法國，德國和英國等。巴洛克音樂在歐洲各國的發展雖然存在許多共同的特征和風格，但由于各個國家政治，經濟，文化等方面的差異，也呈現出不同的面貌。總體上看，巴洛克音樂的發展是以文藝復興時期的音樂為基礎的，并且發生了很大變化。歌劇的誕生和器樂的發展標志著巴洛克音樂風格的確立；大小調和聲體系代替中世紀的教會調式，聲樂和器樂作為音樂的兩大分支開始獨立發展且相互補充；復調音樂風格逐漸向主調音樂風格轉變；出現數字低音。器樂曲主題的陳述和引申漸漸形成不間斷發展的二部曲式，旋律具有連續而不停頓的擴張性，連綿不斷的節奏貫穿樂曲的始終，樂曲的段落之間有鮮明的力度對比；大量新的音樂體裁不斷涌現，并得到確立和發展。這一時期，器樂性能的提高對器樂音樂的創作和演奏風格產生重要影響。代表作曲家有斯卡拉蒂，亨得爾，巴赫等。

（二） 巴赫：（1685—1750） 作品欣賞《歌德堡變奏曲詠嘆調》

約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sabasitian Bach），德國作曲家。1685年3月21日出生于愛森納赫市的一個音樂世家，其家族相繼出現了數十位音樂家，以約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的成就最為顯著。巴赫自幼便顯示出非凡的音樂才能，父親是他的啟蒙老師，教他樂器，雙親去世后（8歲），隨其兄約翰·克里斯朵夫·巴赫學習管風琴，15歲開始獨立謀生，18歲任阿恩斯塔教堂管風琴師，開始創作大合唱曲和古鋼琴曲。1708---1717年任魏瑪宮廷管風琴師和宮廷樂團合奏長，其間創作大量管風琴曲。1717---1723年任科頓宮廷樂長期間，創作了《平均律鋼琴曲集》第一卷，這是世界上最早將十二平均律系統的應用于創作實踐的作品，被后人稱作“鋼琴音樂的《舊約全書》”。1723---1750年在萊比西圣托馬斯教堂及其附屬唱歌學校任樂長兼全城音樂生活總監。這期間雖然工作繁重，但他仍創作了大量的作品。創作體裁包括宗教康塔塔，經文歌，彌撒曲，受難樂，清唱劇等。1750年7月28日，巴赫在萊比西逝世。巴赫一生有20多個子女，但大量夭折，其中有的成為“前古典世代”的著名音樂家。

巴赫的創作根植于德國民間音樂，并把路德教的眾贊歌和教會樂器管風琴當作自己的創作素材和樂響構思的核心，同時也深受資產階級啟蒙思想的影響，這是他的音樂作品明顯的突破了教會音樂的規范，具有豐富的世俗感情和大膽的革新精神。巴赫繼承了16世紀以來德國聲樂和器樂的優秀傳統，吸收了意大利和法國的先進技術，把復調音樂提高到前所未有的高度。

巴赫的音樂對后世音樂的發展具有深遠的影響。他的音樂在現實音樂生、音樂教育和創作中所起的作用與日俱增，其音樂思維的高度邏輯性和哲理性，其藝術技術手法的嚴密、精巧，更是后世學習的楷模。

巴赫是一位多產的音樂家，其作品博大精深，音樂體裁廣泛多樣。聲樂作品多以宗教性為主，有：《圣母頌歌》、《約翰受難樂》、《馬太受難樂》及康塔塔200余首；在器樂方面，巴赫是巴洛克時代的管風琴大師，代表作主要有：《d小調托卡塔與賦格》、《c小調幻想曲與賦格》、《c小調帕薩卡里亞與賦格》《平均律鋼琴曲集》、《半音階幻想曲與賦格》、《布蘭登堡協奏曲》、《音樂的奉獻》、《管弦樂組曲》《法國組曲》、《英國組曲》等。D大調第三樂隊組曲

《D大調第三樂隊組曲》約創作于1722年，是巴赫所作4首管弦樂組曲的第三首，全曲共有5各分曲構成。

第一曲《序曲》。曲式規模較大，采用法國式的慢、快、慢三部分的序曲形式。

第一部分的主題緩慢、莊嚴、節奏均勻、有力，旋律上揚，行進充滿氣勢，以法國路易14時代的宮廷歌劇序曲的風格寫成。

第二曲部分采用賦格形式。主題活潑明快、富于生氣。樂曲中間有樂隊和獨奏樂器的競奏，使樂曲帶有協奏曲的特點。

最后再次重復第一部分，全曲結束。

德國文學家歌德十分欣賞這首序曲.他描述道:“聽這首威嚴而華麗的樂曲，眼前仿佛出現了一群衣著華麗的人，莊嚴的列隊走下寬闊的臺階。”

第二曲《詠嘆調》。樂曲分為兩大段落，富于表情和歌唱性。

第一個段落的旋律優美而柔婉，具有巴洛克后期夜曲的風格。

第二個段落篇幅較大，情緒起落較第一段更為顯著。旋律舒暢、飽滿。第三曲《加伏特》。加伏特原為法國一種古老的民間舞曲，１８世紀常用于組曲的第一個樂章。本曲采用三部曲式，2∕2拍，主題旋律采用大跳進行，活潑而有力。第四曲《布列》。布列原為法國的一種古老的民間舞曲，１８世紀用于古典組曲的一個樂章。本曲采用二部曲式結構，2∕2拍。樂曲簡捷，流暢，明快而有個性。

第五曲《基格》。基格是一種快速的舞曲，起源于１６世紀的英國，后傳入德國、法國和意大利。１８世紀時常用做古典組曲的末樂章。樂曲采用前后兩部分各自反復的二部曲式，６∕８拍。主題由雙簧管和小提琴主奏，節奏輕快，并在歡樂的氣氛中結束。布蘭登堡協奏曲

《布蘭登堡協奏曲》共６首，這里介紹第二首。《布蘭登堡協奏曲》原名《為幾種樂器而寫的協奏曲》，是１７２１年間巴赫應布蘭登堡一位侯爵之約而創作的一套協奏曲。巴赫去世后，第一個為巴赫作傳記的德國音樂家斯比塔給這６首協奏曲冠之“布蘭登堡”的標題，并一直沿用至今。

《布蘭登堡協奏曲》的第二首是為４件獨奏樂器而寫的巴洛克式的大協奏曲，這４件樂器分別為小號、長笛、雙簧管和小提琴。協奏組有小提琴兩把，中提、大提、和低音提琴各一把，撥弦古鋼琴一架。小號是被成為尖聲小號的高音樂器，大大超出現代普通小號的音域，兼有雙簧和單簧的音色，但有比這兩者更為明亮，音色獨特，是現代小號所無法比擬的。

《布蘭登堡協奏曲》第二首由三個樂章組成。

第一樂章為快板，由兩個主題交替發展而成。第一主題在高聲部進行，情緒熱烈、活潑，音響豐滿、華麗，由長笛、雙簧管、小提琴與協奏組的小提琴演奏。第二主題由獨奏組的小提琴演奏，音樂纖巧細膩。

其中第一主題以熱烈的合奏出現，第二主題做模仿進行，兩者在音量音色上形成對比。

第二樂章為行板，是獨奏樂器中的長笛、雙簧管、小提琴與協奏組中的大提琴、撥弦古鋼琴結合而成的合奏。3件獨奏樂器在合奏組緩緩流動的低音背景上分別呈示主要主題。曲調清澈、純凈，是一首悅耳的抒情詩。這個主題首先由小提琴奏出，接著雙簧管、長笛依次進入，3件樂器的對答構成卡農式溫柔的“三重奏”。音樂流暢舒展，連綿不斷，從d小調開始，幾經轉調，最后在明亮的D大調上結束。

第三樂章是“很快的快板”，采用三段式結構。其中第一部分為賦格段。

這個賦格組的主題由獨奏組的小號、長笛、雙簧管、小提琴巧妙的加以發展。首先以尖聲小號高亢嘹亮的聲音浮在高音聲部，帶有舞曲風格；接著雙簧管、小提琴、長笛分別按五度關系進行對答，后面小號再次進入。

中間部分采用主題自由展開的手法，后面小號再次進入，新、舊主題的片段及材料在各個聲部輪流出現，形成生動的卡農段落。

　第三部分完全再現賦格段的主題，與樂章的開始相互呼應，最后完滿結束。（三） 亨德爾：（1685----1759）

格瑞奇 費雷德赫 亨德爾（Georg Friedrich Handle）,英籍德國作曲家。1685年2月23日出生于德國的哈雷。幼年時的亨德爾就已顯示出非凡的音樂天賦，10歲時就寫出了一首三重奏鳴曲。1702年，入哈雷大學專修法律，同時被當地改革派教堂聘為見習管風琴師及藝術指導。1703年前往漢堡，在漢堡歌劇院任第二小提琴手。漢堡是當時德國的經濟文化中心，也是當時唯一有民族歌劇的德國城市。亨德爾在這里開闊了眼界，提高了音樂創作能力。1706---1710年應意大利貴族迪多親王之邀，前往佛羅淪薩專門從事創作。譜寫了近百首世俗康塔塔、清唱劇和歌劇等。同時鉆研當代大師的作品，從中獲得許多教益。意大利之行對亨德爾的一生起到決定性作用，使他從一個不成熟的感情音樂天才，成長為一位理性的，具有完善技巧的作曲家。

1710年，亨德爾任德國漢諾威選帝侯宮廷樂長。1711年赴聘英國，在倫敦首次演出所作的意大利歌劇《里那爾多》。1717年后定居倫敦從事音樂創作，致力于意大利歌劇的創作和演出，并享受英國漢諾威王朝的年金。1726年，加入英國籍。

1751年，亨德爾不幸雙目失明，但他并沒有因此而屈服，仍然繼續堅持演奏和創作，并親自指揮自己的作品演出。

亨德爾在音樂創作上重要的成就都是英國取得的。他一生創作有：50部歌劇，23部清唱劇及相當數量的大協奏曲、室內樂曲、奏鳴曲、古鋼琴曲、合唱曲等。代表作有歌劇《里那而多》、清唱劇《彌塞亞》、《馬卡白》、《參孫》，管弦樂曲《水上音樂》、《焰火音樂》、、《大調大協奏曲》，《古鋼琴組曲第五首》中的《快樂的鐵匠》和歌劇選曲《廣板》等。

亨德爾的器樂作品兼有將德國的復調與和聲、意大利的主調風格、法國的節奏和裝飾音以及英國的樸素氣質融為一體的特點。而他創作的的歌劇以意大利歌劇為主，雖然音樂宏偉、深刻，高于同時代的其他做曲家，但由于題材內容大多為千篇一律的古代神話，且脫離英國民族欣賞習慣，故屢遭失敗。無奈之下，他轉向清唱劇的創作。雖然題材大多取材于《圣經》，但其創作卻不同于一般的教堂音樂，而是氣勢宏偉、富于戲劇性而有不失抒情色彩的大型音樂作品。這些清唱劇普遍汲取和繼承了德國復調音樂技巧、意大利的流暢旋律和英國圣詠音樂的優良傳統，在西方音樂史上享有很高的聲譽。 水上音樂

《水上音樂》又稱《水樂》、《船樂》，創作于1715----1717年，是一首管弦樂組曲。傳說是亨德爾為新即位的英皇喬治一世所作，因為是在倫敦的泰晤士河上演奏而得名。原曲共有20個小曲組成，1922年，英國作曲家哈蒂從中精選6首，改編為本曲。

第一曲《快板》。根據原第三曲改編而成，3∕4拍。樂曲一開始的回首反復和華麗的顫音，由圓號與弦樂組上下呼應奏出，氣氛歡快而嫵媚。

第二曲《詠嘆調》。采用三部曲式。主部和再現部根據原曲第五首改編，中間部則為原曲的第六曲《小步舞曲》改編而成。該曲舒展、輕盈、溫文而雅。再現部由于圓號的加入，使樂曲更加抒情。

第三曲《布列》。根據原第七曲《布列》改編。布列是一種舞曲，起源于法國。其特點是歡快、雙拍、弱起。本曲為4∕4拍，急板。采用三段體結構，樂曲情緒歡快。

第四首《號角舞曲》。根據原第八曲《角笛舞曲》改編。號角舞是一種古老的英國舞蹈，18世紀時是水手跳的獨舞，舞者雙臂交叉并配上富有特點的步伐和姿勢。

第五曲《富于表情的行板》。根據第三曲的快板—行板—快板中的行板部分改編。樂曲先由木管呈示，悠緩、深沉、宛如一首夜曲。

第六首《堅定的快板》。根據原第十一首《角笛舞曲風格》改編。三部曲式，快板，3∕2拍。第一部分的主題采用誘人的切分節奏，帶有鮮明的號角性特點，輝煌而燦爛，表現了宏偉壯觀的典禮性場面。莊嚴的圓號合奏和樂隊合奏，更進一步加強樂曲富麗豪華的色彩。

中間部分的旋律樸素明快，與第一部分的主題形成色彩上相應成輝的對照。樂曲最后是第一部分的再現，在號角聲營造的雄壯氣氛中結束全曲。

巴洛克音樂有什么特點?

巴洛克音樂的一些特點(Baroque)，它的節奏強烈、跳躍，采用多旋律、復音音樂的復調法，比較強調曲子的起伏，所以很看重力度、速度的變化。

巴洛克音樂是后期發展的一個基礎。在聲樂方面，巴洛克音樂帶有很濃的宗教色彩，當時的宗教音樂在西方音樂的發展占很大的分量。那個時期的器樂曲發展也很迅速，尤其是弦樂方面的發展，弦樂的音色更能體現出巴洛克的特色，也比較適合我們的吉他翻彈。

巴洛克時期音樂的旋律特點:

樂句長度不一，氣息較長，無論是聲樂還是器樂，旋律都空前地華麗復雜，有相當多的裝飾音和模進音型。和文藝復興時期的旋律一樣，曲調的進行常常帶有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明確的和聲屬性。

巴洛克時期音樂的節奏:主要分為自由節奏的和律動鮮明、規整的這兩種節奏。前者用于宣敘調、托卡塔、前奏曲等，后者用于詠嘆調、賦格、舞曲等，在一個樂章中會保持始終。這兩種節奏常常搭配使用，如宣敘調與詠嘆調，前奏曲(或托卡塔)與賦格。

擴展資料:

藝術風格

“巴洛克”作為一種獨特的藝術風格，是由于它在藝術精神和手法上，與盛期文藝復興有著明顯的區別。

在繪畫方面文藝復興的藝術家尤其重視素描，而巴洛克時期的藝術家則非常重視色彩、光影和透視等。文藝復興時期的藝術主要是靜止的，以勻稱為目的；而巴洛克時期的藝術主要表現動勢，以動為目的——為了達到這一目的，他們采用斜線或對角線的構圖。

文藝復興時期的藝術主要是強調線條，熱愛線條；而巴洛克時期的藝術則是以明暗來造型的，他們喜歡物體的逼真與強有力的效果。

參考資料:百度百科-巴洛克音樂

巴洛克時期音樂風格

巴洛克時期音樂風格：節奏強烈、跳躍，采用多旋律、復音音樂的復調法，比較強調曲子的起伏，所以很看重力度、速度的變化。

巴洛克原意指形狀不規則的珍珠，是一種藝術形式，由于這種藝術風格的盛行后人稱之為巴洛克時期。這個時期出產的音樂作品就稱為巴洛克音樂。

巴洛克時期是西方藝術史上的一個時代，大致為17世紀。其最早的表現在意大利為16世紀后期，而在某些地區，主要是德國和南美殖民地，則直到18世紀才在某些方面達到極盛。

擴展資料

巴洛克音樂帶有很濃的宗教色彩，當時的宗教音樂在西方音樂的發展占很大的分量。那個時期的器樂曲發展也很迅速，尤其是弦樂方面的發展，弦樂的音色更能體現出巴洛克的特色。

代表人物：

1、約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）（1685年3月21日～1750年7月28日），巴洛克時期的德國作曲家，杰出的管風琴、小提琴、大鍵琴演奏家，世人普遍認為其是音樂史上最重要的作曲家之一，并尊稱他為“西方近代音樂之父”，他也是西方文化史上最重要的人物之一。

2、安東尼奧·盧奇奧·維瓦爾第（意大利語：Antonio Lucio Vivaldi，1678年3月4日－1741年7月28日），男，是一位意大利神父，也是巴洛克音樂作曲家，同時還是一名小提琴演奏家。

3、喬治·弗里德里希·亨德爾（George Friedrich Handel，1685年2月23日-1759年4月14日），男，英籍德國作曲家。

亨德爾生于德國哈勒（Halle, S），師從管風琴家查豪學習作曲，后在教堂內任管風琴師及藝術指導。因愛世俗音樂，于1703年遷居漢堡，開始從事歌劇的創作。1706年后，在漢堡威爾及倫敦兩地進行創作，不久成為英國的音樂權威人士。

參考資料來源：百度百科-巴洛克音樂

巴洛特的音樂風格

巴洛克音樂是指17世紀至18世紀中葉起源于意大利并流傳于歐洲以及拉丁美洲的一種音樂風格。巴洛克原意為“怪異的珍珠”或“荒謬的思想”，被18世紀末葉的文藝理家用來貶稱17世紀以來的意大利建筑、雕刻、繪畫等藝術，此后就成為這一時期藝術風格的總稱。其特征是高貴莊嚴，氣勢雄偉，富有動力，常給人以緊迫感。同時期的音樂大體上也具有這些特征，故稱巴洛克音樂。巴洛克音樂時期由于普遍使用數字低音記譜法，因此又稱“數字低音時代”。在一個半世紀中，出現大批作曲家，主要代表有：蒙泰韋爾迪、維瓦爾迪、呂利、珀塞爾、亨德爾和J.S.巴赫。他們的創作領域和藝術個性雖然各不相同，但都包含了巴洛克音樂的某些特征。

巴洛克音樂的風格

巴洛克一詞被評論家用來指十七世紀及十八世紀前期的藝術及音樂作品。現在，隨著時間的推移，我們可以用更為深入和細致的歷史眼光來看待這一時期的音樂，巴洛克不復有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音樂作品，它確實存在著夸飾和有些不太規律化的特征。文藝復興時期的藝術講究清晰、統一和協調。但至十六世紀末期，藝術中感情的因素日益增加，明凈清澈和完美的形式被表達感情的需要所壓倒

巴洛克音樂最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管風琴（或撥弦樂器琉特琴或吉它）上奏出低音聲部，上面標出數字指示他應演奏的填充和弦。通奏低音經常由兩個人演奏，一人用大提琴（或維奧爾琴或大管）一類可延長音響的樂器演奏低音聲部，另一人演奏填充和弦。

這種使用通奏低音的織體是：上面一個人聲或樂器的旋律聲部，底部是一個低音樂器，中間填以和聲，這是典型的巴洛克音樂的風貌。上面的聲部也常有用兩個的，有時是為兩個歌手寫的，有時是兩把小提琴（此時即稱三重奏鳴曲），此種結構在巴洛克音樂中也很典型，特別是通奏低音不能或缺，說明由低音產生和聲的概念對于巴洛克音樂是如何重要，是它的中心。這個概念的出現并不突然，在十六世紀中已有將低音聲部區別于復調音樂中上面其他幾個聲部線條的，但只是到了巴洛克時期這種風格才清楚地確定下來。

與上述的變化一起，而且是有關的，是放棄復調（更精確地說，復調音樂成為一種老式的方法，幾乎只用于教會的某一類音樂中）。重視和聲必然導致在一首樂曲中出現和聲進行的若干終止點，這些終止點稱終止或收束，是由于某一種標準的一系列和聲進行而形成的。與此相關的是節奏的進行，在聲樂中，旋律要表達歌詞的情感，必須按照（甚至夸張）語言的自然節奏；在器樂中（包括一些聲樂，特別是合唱曲）有用舞蹈節奏的。由于低音用了舞蹈音樂的節奏型，加速了調性感覺的發展以及向某一個特定的音進行的趨向性。

與此同時，新樂器種類的出現加速了這個進程，其中最重要的樂器為小提琴族系。當時維奧爾琴的發音適合復調音樂的清晰但卻缺乏節奏的動力感，而小提琴潔凈明快的運弓以及其演奏輝煌技巧樂曲的能力適合演奏舞蹈節奏的音樂，與單聲部歌曲相比更有發揮技巧的能力。聲樂風格與器樂風格的交替進行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音樂中有這樣兩種不同風格的交替進行是為了新奇和效果。

巴洛克早期重要的音樂形式是單聲部歌曲（相對于前一個時期復調音樂而言）以及與此相聯系的體載歌劇與清唱劇，強調語音與音樂的緊密結合，在歌劇中還有布景的效果。單旋律音樂中不使用對位，其形式是由旋律與低音相結合發展起來的，如分段歌形式，回族曲結構，在反復出現的低音聲部上的變奏。在樂器方面也有相應的發展，如適合于演奏通奏低音組合的樂器，以及替代維奧爾琴族系的小提琴等，小提琴族系樂器更靈活而且能演奏較高的類 似人聲的音域。